#有奖征文#有没有一部电影作品你觉得被低估了？

截至目前，我最欣赏的一部武侠电影是吴宇森监制的《剑雨》，没有之一，但很可惜，在豆瓣上，这部电影的评分仅为7.1。

若论看过的遍数计，自己都数不清了，手机里存有这部电影，每每无聊的时候，就会拿出来看一会儿，每次看都会有不同的新鲜感觉。

这部剧的成功之处，不在于武打动作的优美绝伦，也不在于故事情节的跌宕起伏，若论这些，张艺谋、徐克的作品都不比它差，甚至更强。应该说，吴宇森的这部剧很会讲故事，也很会带动人的感情，让观众看完以后，会沉浸其中，会回味无穷，也正是这样，才会让我至今念念不忘。

剧中，绝世高手陆竹为了点化杀人成魔的细雨，而不惜以身试剑死于细雨之手，表面上看，他是出于出家人慈悲为怀的本能，而实际上，则是他暗暗爱慕上了细雨，但又知佛法无缘，所以甘于将武术绝学相赠，然后死在细雨手里并要她将自己葬在石桥下面，受五百年风吹，五百年日晒，五百年雨打，但求细雨日后能从这桥上走过……

这是一段令人唏嘘的感情，细雨从此心有所悟，化身曾静以求远避江湖，正是在这种情况下，她遇到了自己此生的真爱——江阿生，又演绎出另一段惊天地泣鬼神的爱情之歌。

不但正面人物的感情故事令人动容，最大反派、王学圻扮演的转轮王对徐熙媛扮演的叶绽青也是爱之深、恨之切，因为自己的太监身份，叶绽青虽然表面上臣服转轮王，但骨子里却很是瞧他不起，甚至起了反意，转轮王心生怨恨，虽然内心喜欢叶绽青，但明白自己无法得到她时，便将她活埋在了石桥下，只为自己将来每当从桥上走过，就可以看到她。

正反两个人物的感情，都与石桥有关，一个是为了能看到自己心爱的人从桥上走过，一个是为了从桥上走过能看到心爱的人，这样一种遥相呼应的设计，使整部电影的感情线得到了升华。

然而，这一切都还不够，最让人泪目的是故事结局。

曾静和江阿生两人都已经知道，他们虽然是夫妻，其实却有着不共戴天之仇。同转轮王决战之前，曾静为了保护丈夫江阿生免受伤害，交手时故意露出破绽将他刺伤并制造人死假象，然后只身大战劲敌转轮王。江阿生醒来后，面对已经手无缚鸡之力的曾静，如果想报父仇不费吹灰之力，然而此时的他已经是恨从心头抹去，爱从心底荡起，面对曾静让他回去写一纸休书的请求潇洒一笑，一切的恩怨皆都如云烟一般散去。

当江阿生抱起曾静，一步一步向前方朝着未来的日子迈去，萨顶顶的歌声响起，“五百年那一座石桥，已被风化成沙，只因为你曾经走过……一身轻浮望断天涯，你在哪就是我家，从此后不再害怕 ……”

音乐合着剧情，观众被电影中男女主人公一笑泯恩仇的感情深深感染，同时心底又有一种共鸣的感觉，因为这种爱又何尝不是自己所期望、所追求的，而今，通过吴宇森的《剑雨》这样一部电影呈现出来，随着剧情深入直击内心，也就难怪对其念念不忘了。

正是基于以上对这部电影情感表现方式上的认同，再加上行云流水般的武术动作和几位主演富有张力、感染力的用心表演，所以我感觉目前豆瓣7.1分属于明显低估，个人认为至少在8.5分以上。

于我个人而言，王小帅导演的作品《地久天长》，曾打动过无数人却仍旧被市场低估。

值得一提的是，该片在国内还未上映前就已经在第69届柏林国际电影节上名声大噪，影片入围了代表电影节最高荣誉的金熊奖，男女主王景春、咏梅则包揽了影帝、影后。而当他们带着这份殊荣载誉而归时，在国内的电影市场上却遭遇了冷板凳。

顶着“文艺片扛鼎之作”的名号，排片率却低的可怜，最终票房也没有突破五千万大关，甚至影片尚在热映，很多大院线都基本查无此片。

《地久天长》在国内不受众，没有大范围引起现代社会观影群体的共情感，可在国外它的境遇又是天壤之别。抛开奖项的光环不谈，单就作品本身而言，其实它真的算是一部“沧海遗珠”。

个人命运在大时代背景碾压下留下的伤痛与不安

很多人说，这是一部催泪片，王小帅用三个小时去讲述一个压抑沉闷的故事。影片中，刘耀军（王景春饰）和王丽云（咏梅饰）曾经是筒子楼里一对幸福的夫妻，儿子刘星乖巧听话，患难与共的好友李海燕和沈英明与自己住的仅有一墙之隔，三五知己，常常可以叙旧谈心，日子过的简单却又充实。可不幸接踵而来，丽云再次怀孕，身为计生主任的海燕为了工作和业绩迫使她堕胎，手术中出现了大出血的意外，丽云因此失去了生育能力。因为“积极”响应了计划生育的号召，丽云被厂里评为先进员工，紧接着却因工厂改革而被迫下岗。儿子刘星在水库意外溺水身亡，海燕的儿子沈浩却是始作俑者，出于对沈浩的保护以及无法再忍受旧居触景伤情的痛苦，耀军和丽云在一个深夜里逃离了那个地方。耀军和丽云带着伤痛流浪在异地他乡，海燕和儿子沈浩时刻生活在愧疚和不安里。悲剧的起源虽然是人为，可是耀军夫妇的命运更多的却是被裹挟在时代的洪流里，无力挣扎，无处控诉。

这确实是一个悲伤的故事，可是导演从未想过刻意去煽情，很多悲伤的镜头都是一笔带过，没有做过多的渲染。在影片中，导演更想要展现的是“大悲大喜”这一瞬间之后的事情，真正纠葛一生的是未来的路该如何走下去。

关于失独家庭

时间已经停止了，剩下的，就是等着慢慢变老。

对于所有的独生子女家庭来说，“失独”永远都是不敢提及的字眼。而对于中青年时代的刘耀军和王丽云而言，不能生育则直接为他们的人生宣判了死刑。

在失去独子后，耀军和丽云收养了一个孩子，他们为他取名叫星星（王源饰）。他们一起生活在海边一个贫穷的渔村里，在这里没人认识他们，他们也听不懂当地的语言，仿佛与世隔绝。

可是，真正的伤痛从未过去。耀军和丽云的生活虽然平淡，无形之中却总透露着麻木、妥协、甚至没有生机的状态。星星叛逆，在一次争吵后离家出走。耀军和丽云在大雨中找了很久，仿佛最后的一根救命稻草都在离他们而去。

星星走后，耀军夫妇的生活更加的趋于平淡。他们总是沉默着，欲言又止却又最终相顾无言。正如丽云所说，余下的人生只是静静地等着变老。

这里值得一提的是刘耀军在中年的一次出轨，与沈浩的姑姑茉莉。茉莉因为愧疚和对旧时情愫的难以忘却，冲动之下和耀军有了一个孩子。这次出轨事件给丽云带去了不小的冲击，她想通过自杀去成全耀军和茉莉。丽云最终得救，耀军在痛苦中劝茉莉打掉孩子，茉莉微笑着没说话，在耀军的目光中乘车离开了渔村。

这次出轨很难去判定谁对谁错，只是在苦难中似乎很多事情都变了味。耀军渴望孩子，丽云为爱成全，茉莉则破天荒的没有被口诛笔伐。而我认为这一段恰恰是比较真实的，也是王小帅留白于观众的人性的反思。
影片用三分之二的时间着重刻画耀军夫妇失独后的生活状态，在故事的闪回和不断地倒叙、插叙中，我们对这对夫妇的命运有了更为透彻的了解，同时却又在期盼着时光能善待他们一些。

“中国式善良”的妥协与自我救赎

我的身体里长了一棵树，它越长越大，快要把我撑破了。

孩子，说出来就好了。

影片最后，
因为病入膏肓的海燕临死前的一个请求，两家人又聚在了一起。老友之间互相问及情况，耀军和丽云感叹着：“都挺好。”似乎这些年里，他们真是从“都挺好”中走过来的。海燕死后，沈浩在耀军和丽云的面前坦白了多年前的真相，刘星是被他推进水库的。
耀军和丽云平静地听他讲完，然后轻声告诉他：“说出来，就好了。”其实早在多年前，他们就已经知道真相。

沈浩心中的大树终于停止了生长，可是丽云和耀军心里的那棵树呢？在刘星的坟前，我明白这棵树也已经停止了生长。
时隔三十年，耀军和丽云终于与过去达成了和解。只是在这份释然背后，是“中国式善良”自我牺牲式的包容和情感压抑。告别过去，在伤痛中前行，是王小帅的诉求，只是我们希望的是耀军夫妇的未来是有盼头的。

最终，导演还是发了善心，星星带着女友回到渔村，他在电话里告诉耀军夫妇以后不会再走了。老两口站在纱帘背后，争相听着电话里的声音，久违的生活气终于回来了。

最后，关于王景春和咏梅

在这部电影之前，我并不太了解王景春和咏梅。对于这一代的老戏骨，事实上很多年轻观众对他们的认知都是少之又少。通过《地久天长》这部影片，我才发现原来真正的演技是刻在骨子里，他们有几场戏令我印象非常深刻。

片段一：耀军送茉莉离开渔村，有个长镜头是茉莉一步三回头地朝耀军挥手告别。镜头转到耀军，他半伸着手，眼里噙着泪，无言地做着告别。这份沉痛无法言喻，他告别的岂止是茉莉和她腹中的孩子，他告别的更是下半生唯一的希望。
片段二：耀军和茉莉时隔多年后在海燕家视频聊天。众人谈到茉莉的孩子，耀军脸上的表情开始变化，希望却又害怕视频里见到的是自己的孩子。可当茉莉混血的儿子出现时，耀军的脸上是转瞬而过的失望。而咏梅的表演则是的“此时无声胜有声”的方式，影片全程她都很安静，看不出太多表情的变化。可是那一颗潸然滚落的泪珠，却在无声地控诉着这个世界的不公平。在回乡探望海燕时，飞机遇到强对流空气颤动了几下。耀军紧握着丽云的手，丽云笑着说：“真可笑啊，我们居然还怕死。”简单的一句话，丽云笑得云淡风轻，苍凉感却扑面而来。王景春和咏梅都是属于情感细腻的演员，他们对于角色最大的尊重是全身心的沉浸其中。王景春为了演出那个年代的物资匮乏，整整瘦了三十斤。而咏梅，几乎全程素颜出演，而在影片拍完后，她甚至不敢再去看，因为走出这个角色需要花费很长的时间。

这样的一部影片，三个小时的时长真的不算长。其实看下来，大背景时代的变迁着墨很少，几乎都是一笔带过。影片着重刻画的最终还是人，以刘耀军和王丽云这一“失独”家庭的个例，在社会变迁浓缩的一生里所经历的跌宕起伏。

该片的豆瓣评分只有7.9，尴尬地处于优秀与普通的分水岭上。喜欢它的观众觉得它深沉而伟大，不喜欢的则各有各的理由。

（图片来源于豆瓣）

而不管是时长还是影片先抑后扬的沉闷基调亦或是如网友说的种种不足都是它赶客的原因之一。但做为一个观众，当你愿意花上三个小时认真地看完这部影片后，对主角的遭遇哪怕产生一丝的理解和共情感，你就能明白为什么他们选择逃离、选择隐忍、最终选择释然，因为我们都是这个尘世中最最平凡的普通人。

其实被低估的作品有很多，有的是被市场低估，最终虽然口碑还不错，但是却没有赢得高票房，比如《地久天长》。

有的则是因为某些原因被部分观众低估，口碑呈现两极化，有的人很喜欢，有的人则完全看不懂，比如《妖猫传》。

也有一些作品是被过去的自己低估，曾经以为是一部普通的作品，但是在经过时间和社会的打磨之后再次观看，却发现作品中有太多自己的影子。

对于我来说，《千与千寻》就是这样的作品，曾经看的时候，只当是动画片来看，看得懂千寻从脆弱到坚强的变化，却看不到无脸男的孤独。

如今再次复刷《千与千寻》，确实发现了太多曾经没有过的感慨。

“腐烂神”的真实身份影射了工业时代的“垃圾制造者”

在影片中，“腐烂神”是千寻遇到的一个“贵客”。可是在它刚刚出场的时候，浑身散发着臭味，所到之处，万物皆腐。

这让所有的人对它的到来避之唯恐不及，汤婆婆无法拒绝这样的客户，只能让刚刚才来工作的千寻去招待“腐烂神”。

未经世事的千寻想尽办法帮助腐烂神，最后发现了”腐烂神“身上被刺入了什么东西，拔下来以后，却源源不断的涌出了各种垃圾，包括自行车，家电等等。

而这个时候“腐烂神”的真面目也逐渐清晰，原来它是河神，本来的它是可以自由的飞翔，也是清澈干净的，可是却因为人类工业时代对大自然的破坏，河神变成了令人完全认不出的“腐烂神”。

河神为了感谢千寻，给了她一颗河神丸子，河神的真面目也震惊了众人，让他们都后悔不已。

虽然这件事也告诉我们不能以貌取人等等这些基本的道理，但是最终却要回归到自然与人类的关系上。

大自然孕育出了人类，可是人类却自命不凡，以为可以统治所有。

千寻的父母以为只要有钱，就可以随便进店吃东西，看到好的风景就想要拿着吃的喝的来野餐。最终他们却被变成了猪头，除了吃就是睡。

河神是被人类残害的代表，人类认为自己创造了工业文明，认为这是创造历史的伟大壮举。可是在这“壮举”中，被毁坏的缺失人类自己的家园。

清澈的河流变得又丑又脏，自以为是的人类变成了自己最厌恶的样子。

河神被千寻所救，说明只有当人类回归到本我的时候，当人类真正找回最初的自己的时候，才能从本质上去拯救大自然，才能重新修复人类与大自然之间的关系。

当所有的人都已经迷失自我，千寻的初心就显得无比珍贵

在这个世界中，所有的人都忘记了自己曾经的名字，包括白龙。他们只知道，要不断的工作，才能不被变成猪。

所以他们用自己在这个世界中的名字拼命工作，逐渐失去了自我，将自己的曾经忘得一干二净。

他们会抱怨人类是“臭”的，可是他们忘记了自己曾经也是人类，可是他们忘记了自己曾经也是人类。

就像一个人在社会中摸爬滚打惯了，却忘记了最初那个善良无邪的自己。

在这个世界中，只有千寻还记着自己的名字，也记得自己那份纯真的心。所以千寻懂得感恩，也会不计一切代价的去帮助别人。

最终，这个仍然怀有初心的千寻，得到了所有人的认可，因为在千寻身上，他们都看到了自己最向往的纯真与善良。

无脸男对千寻从来不是“暗恋”，只是想让这个世界看到自己

无脸男的存在，就仿佛是这个世界的边缘人物。

他一个人站在桥上，似乎与灯火通明的世界无关，来来往往的人再多，也没有人愿意多看他一眼，本来他以为千寻也是那千万人中的一个。

可是千寻却礼貌的跟他打招呼了，这或许是他从这个世界上得到的第一声问候吧。

后来，千寻看到无脸男淋雨，特意将门留住，让他进来避雨。

无脸男的内心对千寻充满了感动，因为千寻对他好，所以他也想对千寻好。

从来没有踏足社会的他，不知道千寻会喜欢什么，所以当千寻需要药浴牌的时候，他想办法帮千寻拿到了牌子，还多拿了好多，因为他只知道，千寻需要药浴牌。

当他变出金子，这里的人都为他欢呼的时候，他以为自己变出更多的金子，就会有更多的朋友。他以为自己吃很多东西，就会与这个世界相融，于是他变得越来越丑陋。

可是当他小心翼翼的站在千寻面前，把手里变出来的金子给千寻的时候，千寻却拒绝了他。这让他着急了，内心的虚荣和欲望让他无法接受千寻的拒绝。

千寻将河神丸子喂给他，他逐渐吐出了那些脏东西，逐渐变回了那个带着笑脸的无脸男。

他平静了下来，开始慢慢跟在千寻后面，就默默的守候在千寻的身边。

以前很多人都说无脸男对千寻是“暗恋”，其实再次复刷才觉得，无脸男只是想要让这个世界知道自己的存在，他想要从世界中得到一席之地，可是却因为不小心进入了错误的环境而变得暴戾起来。

所以千寻说：“无脸男其实心地很善良，但是在汤婆婆那里他会变坏的。”

在钱婆婆那里，无脸男找到了自己可以做的事，也找到了最让自己心安的生活方式，所以在千寻走的时候，他没有留恋，欣然答应了在钱婆婆家里留下来。

“巨婴”的成长打脸了无数溺爱孩子的父母

《千与千寻》中的巨婴可以说是整个影片的搞笑担当了，起初汤婆婆对巨婴保护的严严实实的，不能接触外界，因为外面有细菌。

巨婴一哭，汤婆婆就什么办法都没有，能满足它的任何要求。

起初的巨婴像极了在家中被家长们溺爱惯了的孩子，可是他们真的需要的是什么呢，是家长们的万般呵护和无限纵容吗？

他们真的需要的是童年，是成长，是独立。巨婴在千寻进来以后，就想要千寻跟他一起玩，因为平常没有人跟他一起玩。

千寻不肯，他就哭，可是这个时候他才发现，哭只对汤婆婆才有用，对待别人，哭一点作用都没有。

当巨婴被钱婆婆变成小老鼠的时候，他仍然需要别人的伺候，从来不自己走路，这是他的习惯。

可是社会是残忍的，在家里被惯出来的习惯从来不会长久。

当别人没有办法帮助他的时候，他只能开始学着自己走路，开始在新的世界中成长。

而这个世界似乎也没有汤婆婆说的那么可怕，这个世界五彩缤纷，自己动起来也没有那么累。

当巨婴看到这个世界的多彩多姿，才发现曾经的自己多么的可悲，所以他不想再变回去了。

这样的巨婴像极了我们，在家里受尽了呵护与溺爱，当走出家门，才发现曾经的自己似乎就是井底之蛙。

当我们想要在大千世界一展拳脚的时候，却发现家中的父母还在等着自己，身上的责任与义务逐渐多了起来。

人都需要成长，但是成长的路上不要迷失了自己；人类需要进步，但是进步的过程中不能破坏自己的家。

曾经的我们看《千与千寻》是美好的童年，如今再看电影，却是对成人的我们再一次的警示，让我们慢下脚步，看看自己走过的路，也看看自己的初心是否还在。

陈凯歌作为第五代导演的代表人物，曾在1993年拍出《霸王别姬》这样的神作。随着90年代陈凯歌创作的逐渐平稳，90年代末期的《荆轲刺秦王》是他生涯的另一个巅峰。

《荆轲刺秦王》上映于1999年，这部投资7000万的大制作，在当年只收获了1000万的票房。《荆轲刺秦王》的电影隐喻在当时并不被人理解，以至于票房十分惨淡。

《荆轲刺秦王》这部电影是极具超前意识的，称之为陈凯歌电影的最高峰都不为过。陈凯歌借助一个历史传奇故事，影射了权力欲对人心吞噬的主题。

电影的原型取材自司马迁《史记》中《刺客列传》的章节。在《刺客列传》的基础上，对秦国宫廷的斗争和人物的内心变化，进行了更为细致的描绘。

从嫪毐叛乱到荆轲刺杀失败，战国末期的历史风云几乎被涵盖进这部史诗级的电影中。尤其对权力间的争夺和角逐等细节的刻画，让这部电影具备了极高的象征意义。

人物塑造上，太后、赵女、荆轲、嫪毐和吕不韦等一众配角都极为成功。王志文饰演的嫪毐更彻底突破了原有的形象，把嫪毐的城府、挣扎、果断和隐忍展现得极为到位。

陈凯歌饰演的吕不韦，多次特写其面部表情。通过对表情的变化，反映了吕不韦内心的绝望和挣扎，并借吕不韦这一形象，进一步凸显了王权斗争的残酷和悲剧。

而作为片中的灵魂人物，李雪健饰演的嬴政确实太惊艳！李雪健老师凭借此片达到了自己演艺生涯的巅峰，直至今日，依然无可超越。

我们通过赵女的口中得知，嬴政在没有成王之前是善良和仁慈的。随着权力的不断掌控和吞噬，嬴政的内心慢慢迷失，甚至完全变成了另外一个人。

在至高权力的作祟之下，曾经保有初心的王已逐渐变得冷酷和残忍，让天下过上好日子的王，逐渐成为了七国人眼中十恶不赦的暴君。

嬴政先是看穿了嫪毐的叛乱。而在平叛过程中，嬴政第一次变得残忍冷血，杀掉了嫪毐和太后的两个私生子，太后成为了儿子的阶下囚。

在不可告人的秘密之下，吕不韦、嫪毐和樊於期都成为了王权争斗的牺牲品。在对自我权力的固化之下，嬴政甚至可以毁掉一切血缘联结。

获得天下民心，已逐渐成为了秦王巩固集权的一个幌子。嬴政先是讨伐了皇权内部的叛乱，而后更逼死了生父吕不韦。

至高无上的权威下，层层白骨堆叠的越来越高。所有知道真相的人，都难逃一死。在绝对权力之下，没有一个生灵是无辜的。

在获得绝对权力和力量之后，嬴政的秦军一路烧杀抢夺。在灭掉韩国之后，又灭掉了赵国，坑杀赵国儿童的一段，更让天下人对嬴政彻底失望。

在权力的吞噬之下，人心变得冷酷和专断。嬴政一路杀掉了所有违背他的人，原本救世主的形象荡然无存。

比起嬴政，荆轲成为了理想的终极践行人。以戈止武，亦凸显了荆轲的侠义情怀。言行的一致和内心的坚定，与嬴政的性格错乱形成了鲜明的对比。

在绝对权力的操控下，嬴政同样是牺牲品。经历了多年的征伐之后，嬴政的早已无法获得民心，就连朝堂的群臣，已开始畏惧他的绝对权力。

最终，嬴政成为了皇权摆控下的傀儡。在秦王逃脱荆轲追杀的一幕中，我们发现了众叛亲离给他带来的反噬效应，众目睽睽之下，无一人为王赴死。

我们甚至不愿意放弃李雪健出现的每一帧。而最终与荆轲死前一段对话，才是嬴政内心的真正痛苦所在。

即便嬴政反杀了荆轲，可这一切，只不过是全新悲剧的开始。在一个人吃人的集权时代，在登上巅峰一刹那，理想也被权力彻底埋没。

如果说嬴政以灵魂献祭集权，那么荆轲则以理想反抗集权，两个不同的形态更代表了权力社会赋予的人性双面，黑暗和光明之间，也不过一念之隔。

《荆轲刺秦王》因为其象征意义过于深刻、商业价值不高，加上时长过于庞大，以至于在当时1999年的国内院线中，这部电影并不被观众所待见。

从上映至今已有的20年，我们再重看这部电影之时，更可发现了其伟大之处。这部在当年被严重低估的电影，更远超同期观众平均鉴赏水准30年。

直到今天我们重看，更察觉到其厚重、癫狂和深不可测。比起《霸王别姬》，《荆轲刺秦王》更是把人物的心理刻画，展现到了极致。

在电影中，李雪健每一个动作、每一个细节都是戏。尽皆过火、尽皆癫狂，这句话用在李雪健身上最为贴切。从这部电影，我们看到了李雪健人戏合一的最高精髓。

《荆轲刺秦王》避免了《霸王别姬》中张国荣和京剧文化水土不服的问题。在这部电影中，清一色的内地演员和老戏骨，浑然天成的角色气质让电影的角色几乎没有瑕疵。

《荆轲刺秦王》的立意是极其高远的，且影射的深度更超越了《霸王别姬》。电影采用类欧洲戏剧的取景和台词处理方式，进一步凸显了人物内心的挣扎状态。

长镜头配合画面对称的构图，中国古代皇权的压迫感由内而外。同样，这部电影对于中国权力的反思，在之前的电影中也前所未见。

中国几千年以来延续的封建帝制的种种弊端，理想与欲望的矛盾、人性和神性的挣扎、集权的根源，皆被这部电影展现了出来。

虽然陈凯歌的电影讲述了战国和秦代的更迭，但我们从中看到了集权社会的普遍悲剧。嬴政之于集权的象征意义，也超越了所在朝代，化为中国封建社会的普遍弊病。

关于皇权在华夏大地中的意义，也从嬴政口中到处：即便他不统一六国，也会有其他人代替他统一六国。

集权政权由分散到确立，只不过是一个朝代和另一个朝代的循环往复罢了。

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早晨从下午开始，带你一起看张艺谋执导，葛优和巩俐主演的电影《活着》。

电影《活着》是能让人接受的“活着”

电影《活着》是由余华的原著小说《活着》，改编而成，张艺谋导演执导的。

葛优饰演的是男主福贵，巩俐饰演的是女主家珍，1994年首映。

绝大多数看完原著《活着》的读者，都会难以接受最后的结局，因为实在是看不到希望，不知道为什么要“活着”。

正因为如此，电影《活着》为了迎合时代，照顾观众的心情，所以给《活着》留下了希望。

电影版与原著的主要不同点

其一：原著中福贵的儿子有庆是被不良医生抽血抽死的，电影里有庆是被汽车撞倒围墙砸死的；

其二：福贵的女婿二喜在剧终的时候，并没有被砸死，还活着；

其三：福贵的老婆家珍也没有随女儿凤霞而去，还坚强地活着；

其四：福贵的外孙苦根也没有被噎死，而是快活地活着。

其五：原著福贵和家珍生活在乡下，靠种地为生，电影里他们生活在城里；

电影版《活着》最揪心的片段

片段一：有庆的离世。

无论是看书，还是看电影，这个片段，都可以让人肝肠寸裂。电影里是春生因为疲劳驾车，不小心撞倒了围墙，把有庆压死了。

片段二：凤霞的离世。

凤霞与二喜本来是非常幸福的一对，他们应该携手奔向未来，可是因为历史客观的原因，凤霞生出苦根后，突然大出血，离世了。

电影《活着》是忠于原著的再创作

电影《活着》的故事脉络是与原著如出一辙的，都是讲述了福贵的一生。

福贵从小身在富贵人家，后因为赌博倾家荡产，接着父亲被气死；

接着家珍回娘家；福贵改邪归正，家珍又回来；

然后福贵被捉壮丁；福贵逃回来；福贵母亲死凤霞聋哑；

最后福贵的儿子有庆死；女儿凤霞死。

电影《活着》的再创作主要表现在它更贴近现代人的生活，更多的表达了我们的下一代会更好的活着的希望。

电影《活着》因为《活着》成为经典

如果你没有看过原著《活着》，如果你的内心过于脆弱，那么你可以先看看这部电影《活着》。

如果你看完了这部电影《活着》，觉得还想更深入地体会作者的写作意图，那么你可以再去看原著的《活着》。

同样是“活着”，作者和导演虽然给了我们不一样的结局，但是都给予了我们思考的空间。

虽然每一个人的境遇，处境，阶层都是不尽相同的，但是我们都有同一个目标，那就是活着。

其实“活着”很简单，那就是为自己而活。

早晨从下午开始，带你一起看电影《活着》。

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万里长空，剑气纵横，慕然回首，那部《蜀山传》正在灯火阑珊处。

将来的事，将来再说。2001年，谁都不会想到，寄托了徐老怪心血和厚望的情怀之作《蜀山传》上映，遭遇了票当与口碑的双滑铁卢，成为众人口中的大烂片。

单纯从数字表现来看，此话并不过分，总投资接近9000万港币，内地票房2000万，香港票房1200万不到，亏的底朝天；豆瓣评分最初6.3，经过18年的缓慢增长也只到了6.6，数字可谓凄惨......

但是《蜀山传》真的是烂片吗？我一开始就认为不是！认为是烂片的，绝大多数原因都是剧情空洞、特技过于绚烂喧宾夺主，然而随着时间的流逝，越来越多的人对改变了看法，豆瓣评论区的评价逐渐出现了反转。

评论有很多，各不相同，主旨却是一样的，划重点：这是一部被过分低估的神作。

被低估，是因为理念太超前，远远超越了那个时代。论本质，无论从哪一方面来看，它都有被称作神作的理由。

从剧本来源看，《蜀山传》的整体概念源于一代神魔武侠小说大师李寿民的《蜀山剑侠传》！

原著作者李寿民，又名李善基，笔名还珠楼主（不是环珠格格），被誉为“现代武侠小说之王”。他的小说想象力丰富，突破了传统武侠的概念，第一个在传统武侠小说大量引入了神魔的构思。

严格来说，他的小说不是武侠小说，而是玄幻仙侠小说。他的构思格局庞大、气势恢宏，在人魔神的善恶之争中加入了儒、道、释三教的哲理，融会贯通、寓意深远。想象力之丰富，文笔之华丽，令人叹服，影响深远，后世武侠小说有很多概念都来源于他的小说，比如金庸的降龙十八掌就参考了李寿民小说中的降龙八掌，比如梁羽生的《白发魔女传》就取材自《蜀山剑侠传》里的白发龙女。

李寿民一生著作38部，其中31部是《蜀山剑侠传》，包括正传、外传、别传、前传、后传等等。

构思奇妙恢弘，却很难被搬上银幕，但是从文字到影像的改变，难度增加了不止一点点，幸好我们这个时代有徐克。

原著岂是池中物，一遇徐克便化龙。

整体构思出自《蜀山剑侠传》，具体化的丰富则来自徐克。徐克是华语娱乐圈的另类，虽然出生在越南，求学于美国，却痴迷东方古典文化。他想象力丰富，尤其擅长运用特效来为电影添砖加瓦。

为了把他心仪的《蜀山剑侠传》搬上银幕，徐克于1983年已经做过一次尝试，拍了一部群星荟萃的《新蜀山剑侠》（这也是林青霞第一部武侠电影）。该片是华语电影首次请好莱坞特效团队参与制作，是华语电影特效史的里程碑之作。正是在这部电影中，徐克首次在华语影坛把神魔玄幻元素融入古装武侠，开创了“东方魔幻”的流派。

如果说李寿民是玄幻小说的开拓者，那么徐克就是玄幻电影的创造者！

但是因为技术原因，徐克还有很多奇思妙想未能实现，对于他来说，这是一个遗憾。

直到1998年左右，徐克看到了好莱坞特效技术的迅猛，意识到机会来了，于是他决定重启《蜀山剑侠传》项目。

为了完美构建他心中瑰丽精巧的神魔世界，徐克聘请了好莱坞4家顶级特效公司助阵，在制作的过程中使用了当时世界上最先进的特效技术，运用了超过100台电脑，几百名特效技术人员，前后历时三年，预算一超再超，最终总成本从当初的4000多万港币涨到近9000万左右。

效果华丽绚烂，令人震撼，比如开头张柏芝的瓦片状玉碎。

比如蜀山世界的仙气飘飘，意境悠远。

比如武器、动作场景的变化万千，气贯长虹。

特效完美到令人震撼。

在这之前，周星驰的《少林足球》以400多个特效镜头居于港影榜首，《蜀山传》打破了这个记录，并把距离拉到难以突破。

理想是美好的，现实是残酷的，2001年《蜀山传》上映，票房口碑遭遇两连败，成为徐克职业生涯的滑铁卢。

现在回过头看，不得不说一句可惜，因为《蜀山传》无论是在演员阵容还是特效制作都是当之无愧的神作，演员有张柏芝、郑伊健、古天乐、吴京、林熙蕾、洪金宝、谭耀文等等，特效制作就不用说了，徐老怪的想象力创造力华语影坛无出其右，《蜀山传》之后，华语影坛再无绚丽灿烂的神魔大作。

这种反差来源于徐克的电影理念远超时代，在玄幻概念还未形成的时代，徐克却已经把玄幻电影搬上银幕。仅仅一年之后，2002年华夏大地PC互联网兴起，玄幻小说逐渐崛起，在2012移动互联网开始之后玄幻概念真正深入人心，仙侠电视剧开始大行其道，《仙剑奇侠传》、《古剑奇谭》、《蜀山战纪》等仙侠玄幻剧火爆一时。然而令人遗憾的是，在技术更为先进的今天，无论是在荧屏还是银幕上，却再也没有拍不出一部好的玄幻仙侠作品。

这时，观众才逐渐明白《蜀山传》的价值，原来当时是徐克懂了，观众没看懂，市场没看懂！

这就是《蜀山传》为什么是神作的真正原因！超越时代的理念！

徐克遇上李寿民，就是中国特效的开始，就是中国玄幻概念影像化的先行者！

本以为是开始，却已经是巅峰!

科幻电影《前目的地》一直被当成一部猎奇的爆米花电影，但其实这部电影所蕴含的深刻内涵堪比《星际穿越》。

一九五九年,当时已然出名的美国科幻作家罗伯特·海因莱恩发表了一篇题为《你们这些回魂尸》的中篇科幻小说，小说用较短的篇幅讲述了一个来自未来的时空特工穿越时空，不断探寻自我的故事。

原著的故事可以用两百多字来概括，简单来说就是：

1945年，一个女婴被抛弃在孤儿院。

1963年，长大后的女孩在公园里与一个男人一见钟情，一年后产下了一个女婴，随后男人消失、女婴被偷。伤心欲绝的女人做了变性手术，整日酗酒。

1970年，她路过一个小酒馆，酒馆老板把她招募进了一个神秘组织，进行时光旅行。

他被送回1963年，在公园里和一个年轻的女孩一见钟情，一年后女孩产下一个女婴。

就在这时，他又接到新的任务，为了不让女孩做未婚妈妈，他旅行到1945年，将婴儿遗弃在一个孤儿院。

之后他又接到了新任务：返回1970年，去一个小酒馆假扮酒馆老板，伺机招募人手。

看完这段概述，相信明眼人一看便知，故事中的女婴、母亲、神秘男、偷婴贼、变性人、和酒馆老板其实都是同一个人。

作者以这样的一个夸张而又怪诞的故事，来向读者们阐释，一个人一生的命运冥冥之中其实早就由自己此时的所作所为决定了，珍惜当下，活在此时，成为了这部原作最重要的精神内涵。

其中的烧脑情节和对时空悖论的巧妙运用，让小说再具有通俗的阅读趣味中蕴含着深刻的哲学和科学反思。小说一经推出，便畅销全美数十年。罗伯特·海因莱恩也借由这篇小说成功奠定了自己又一个创作高峰的开端。

时隔多年以后的2014年，在两个名不见经传的孪生兄弟导演下，《你们这些回魂尸》被成功改编成电影，搬上了大银幕。放在今天来看，《前目的地》的投资和拍摄成本低的可怜，如果单从成本上来讲《复仇者联盟4》可以秒杀20部《前目的地》。

但是在故事情节和烧脑程度上，同样是用了时空穿越的科幻梗，而《前目的地》的环状叙事结构和一个接着一个的反转是《复仇者联盟4》所无法比拟的。

电影在保持原作情节完整和烧脑程度的同时，运用了商业电影快节奏的剪辑风格和原作的环状叙事结构。更增加了故事人物的经历，丰富了人物的内心起伏和对细微变化的刻画。对于两个拍摄广告片和低成本电影制作起家的青年导演斯派瑞兄弟来说，《前目的地》作为他们首部较大规模的科幻电影制作，成绩斐然！

《前目的地》开篇没有一丝一毫繁琐的背景交代，而是直入主题，留下悬念。

一个穿着灰色风衣的神秘男子，一手提着保险箱，一手提着小提琴盒，在大楼中穿梭，神秘的来到了大楼的地下室，嘀嗒作响的炸弹出现在观众们眼前。

眼见倒计时只剩下一分多钟的时间，神秘男子，娴熟地打开保险箱――实际是一个装炸弹的仪器，然后迅速地拆开炸弹。就在炸弹即将被拆除那一刻，另一个神秘人的出现，打乱他的计划。

神秘男子成功控制住了炸弹爆炸，却没能保住自己的容颜，爆炸产生的火焰将他烧的面目全非，而另一个神秘人则在此时悄然离去……

这个拆炸弹的神秘男子是谁？那个突然出现的神秘人是谁？炸弹为什么会被安放在这里？头颅尽是火焰燃烧的神秘男子结局又是怎样的呢？

在短短几分钟的开头画面和低沉的男中音旁白中，留给观众的是一个又一个相互交织的悬念和具有高度对称美感的画面触感。使得观众可以清晰地觉察到电影中商业电影的制作模式和深度思想内涵的融合，同时勾起对后续情节发展谜底的兴趣。

整部电影后续的发展可以说不负众望，近乎完美的开头引出的是比一个经过改编后比原著还要烧脑的故事。

为了不使各位看官在这里过于迷糊，就简而言之地概括一下这部电影的主要人物剧情吧――自己干了自己，自己生了自己，自己杀了自己……并通过一系列的时空穿梭逐渐形成一个如同莫比乌斯环的无限循环。

如果单纯论情节精彩度的话，这么一个惊世骇俗的故事，估计很难有人能够再度超越。

而如果从电影主题和思想内核来看，《前目的地》在尊重原著的同时，也做到了对其进行契合时代发展的情节和人物改动，使得电影相比原著较为单一的主题和思想表达，更为广泛而深刻。

电影中，对恐怖主义缘由、科技发展下人性扭曲、变性手术、伦理道德价值观念的表现和探讨，已然把时空穿越这个电影中最大的噱头作为了自己探讨现实问题的一个绝佳跳板。

而伴随着电影结局的到来，电影故事的终极疑问也通过男主人公最终所面临的艰难抉择展现在观众们面前：如果一切都无法改变，那么时空穿越的意义又是什么呢？如果穿越最终带来的是无止境的循环和不伦下的罪恶呢？

关于这样的疑问，我们其实早已在《回到未来》、《蝴蝶效应》、《终结者》领略和思考过，时空悖论是所有时空穿越电影永远无法回避的神坑，而电影中的主人公们即便历经千辛万苦穿越时空，也大多无法改变原有的历史，改变已然成为既定事实的过去，他们通常能够做到的只是把因为时空穿越而偏转的历史重新进行修正……

在《前目的地》中，问题变得更进一步，如果时空穿越下的你我，不管怎么做，都只会让所有事情陷入一个如同莫比乌斯环般的无限循环中，那如果问题的本身就是我们自身的存在呢？那么我们该怎么做？

片中的男主最终在明白自己一直寻找的炸弹客，就是年老后经历了奇异转变的另一个自己。他同时发现，自己的转变和经历不仅是他自己一个人的事情，更关乎到整个世界的运转，如果他不在最后一刻做出正确的抉择，那么他赖以生存的组织和内心所坚守的一切信念都会通通崩溃在自己眼前。

最终，电影在生命的又一次轮回往复中，悄然结束，烧脑而又充满寓意的剧情，似乎也在通过这样一个故事来表达对珍惜当下，活在当下的愿景。

如果《星际穿越》展现了人类面对生死存亡危机时，穿越时空的勇气与无畏，那么《前目的地》则用穿越时空挖掘出了人性深处的野蛮与荒谬，它所讲述的故事仿佛就是对古希腊神话中俄狄浦斯王传说和西西费斯巨石的综合演绎，令人在其中流连忘返……

要说这部电影中，除了时空穿越的巧妙运用之外，第二大的亮点无疑是主演伊桑·霍克的对电影的倾情奉献了。

通过《爱在黎明破晓前》、《爱在日落黄昏时》、《爱在午夜降临前》三部曲一举成名，并逐步成为欧美文艺片男神主角的伊桑·霍克抛弃了在以往电影中通常饰演的成熟、多情男人的荧幕形象，首次在《前目的地》这部电影中挑战了一人分饰多角的巨大难题，出演了特工、炸弹客、酒保及冷酷杀手等同一个人物的不同时期。

可以说，他和澳大利亚青年女演员莎拉·斯努克两个人共同撑起了这部长达近两个小时的低成本硬科幻电影。

当年的“爱在”系列三部曲电影，从维也纳到巴黎，再到希腊海滨，在故事地点的变化和时光的流转下，男女主角也渐渐一同老去……电影似乎在无言中，告诉我们，这世间没有什么恒古不变的事情。

《爱在日落黄昏时》中，伊桑·霍克所饰演的男主在塞纳河畔冲女主说的那一句：“你相信巴黎圣母院有一天会消失吗？”更是成为了这个延续了18年的银幕故事最真实而又动人的注脚，波澜不惊中让观众们领悟与其去追求那遥不可及、虚无缥缈的永恒与梦幻，不如切切实实的活在当下，做一个真正的自己。

而在《前目的地》中，我们却看到了同一个伊桑·霍克――另一个荧幕形象身陷于莫比乌斯环般的诅咒之中进退不得，如果时间流逝带来的不是改变而是回到原点，如果活在当下即是生命最大的骗局，我们该如何选择？

在烧脑的剧情之下，掩埋着的是人性与理性的对抗，电影中的男主最终还是以人性角度的抉择成全了理性的又一次成功，但炸弹客看似成功的背后，却是人性的胜利，因为比他成功更难能可贵的是，男主明知自己最终的结局，却依旧能够再一次一如既往做下决定的动容。

同样的，在人生之路上，每个人都会有所坎坷，更有可能会一落千丈。但可怕的不是你无法在跌倒之后站起来，而是你拼尽全力全依然要面对回到原点的现实……

在这绝望的时刻，有的人真正的跌倒了，有的人却依旧能够越发奋力狂奔，在永恒的莫比乌斯环中寻找着能够跳跃出循环空间的支点，也许最终等待着他们的依旧是永无止境的无限循环，但在人性光辉的闪耀之下，他们成为了维持周而复始世界秩序的最后勇士！

早晨从下午开始，带你一起看张艺谋执导，葛优和巩俐主演的电影《活着》。

电影《活着》是能让人接受的“活着”

电影《活着》是由余华的原著小说《活着》，改编而成，张艺谋导演执导的。

葛优饰演的是男主福贵，巩俐饰演的是女主家珍，1994年首映。

绝大多数看完原著《活着》的读者，都会难以接受最后的结局，因为实在是看不到希望，不知道为什么要“活着”。

正因为如此，电影《活着》为了迎合时代，照顾观众的心情，所以给《活着》留下了希望。

电影版与原著的主要不同点

其一：原著中福贵的儿子有庆是被不良医生抽血抽死的，电影里有庆是被汽车撞倒围墙砸死的；

其二：福贵的女婿二喜在剧终的时候，并没有被砸死，还活着；

其三：福贵的老婆家珍也没有随女儿凤霞而去，还坚强地活着；

其四：福贵的外孙苦根也没有被噎死，而是快活地活着。

其五：原著福贵和家珍生活在乡下，靠种地为生，电影里他们生活在城里；

电影版《活着》最揪心的片段

片段一：有庆的离世。

无论是看书，还是看电影，这个片段，都可以让人肝肠寸裂。电影里是春生因为疲劳驾车，不小心撞倒了围墙，把有庆压死了。

片段二：凤霞的离世。

凤霞与二喜本来是非常幸福的一对，他们应该携手奔向未来，可是因为历史客观的原因，凤霞生出苦根后，突然大出血，离世了。

电影《活着》是忠于原著的再创作

电影《活着》的故事脉络是与原著如出一辙的，都是讲述了福贵的一生。

福贵从小身在富贵人家，后因为赌博倾家荡产，接着父亲被气死；

接着家珍回娘家；福贵改邪归正，家珍又回来；

然后福贵被捉壮丁；福贵逃回来；福贵母亲死凤霞聋哑；

最后福贵的儿子有庆死；女儿凤霞死。

电影《活着》的再创作主要表现在它更贴近现代人的生活，更多的表达了我们的下一代会更好的活着的希望。

电影《活着》因为《活着》成为经典

如果你没有看过原著《活着》，如果你的内心过于脆弱，那么你可以先看看这部电影《活着》。

如果你看完了这部电影《活着》，觉得还想更深入地体会作者的写作意图，那么你可以再去看原著的《活着》。

同样是“活着”，作者和导演虽然给了我们不一样的结局，但是都给予了我们思考的空间。

虽然每一个人的境遇，处境，阶层都是不尽相同的，但是我们都有同一个目标，那就是活着。

其实“活着”很简单，那就是为自己而活。

早晨从下午开始，带你一起看电影《活着》。

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《妖猫传》。

豆瓣6.9分，有些可惜。

实话实说，第一遍没看懂内涵，只是了解了皮毛，觉得这部电影美的像诗一样，并且因为这部电影，让我心中的唐朝有了一种具象的、雍容华贵的色彩，大唐可能真的就是暖色调的吧。

而历史上的盛唐究竟是什么样，谁也没办法描摹，作为非专业的普通人，我们更多的是在唐诗中去理解大唐气象，就是美轮美奂、潇洒豪放、自由自信。而这些，在电影中，都得到了极大地释放。

黄轩饰演的起居郎白乐天，一个完全的理想主义者、浪漫主义者，原本可以入朝为官，担任要职，却为了完成自己的诗作《长恨歌》，甘愿当一个起居郎。

远渡重洋而来的日本僧人空海，因替皇帝解咒而与白乐天相识，总是含着高深莫测的笑容。他能得到皇室重视，一眼看破高深的幻术，似乎是位“高人”，但是他来大唐的目的并不是求虚名，而是进大青龙寺，寻找“无上密”。

两个人目标不同，却都是为着目标可以抛却浮华的人，拿现在的说法来形容，他们是脱离了低级趣味、追求精神层面意义的人，这种性格的人纯粹、自信、理想化，与大唐的气质十分吻合，即便还没有展开故事，却也会感叹，只有那样一个盛世，才能孕育出这样的人，也只有那样一个盛世，才会吸引数不尽的外来人士，不远千里的来到大唐。

这种对大唐的唯美再现，是折服我的第一个点，却也成为不少人抨击之处，认为陈凯歌过分讲求画面的精致，却忽略了故事的重要性，这种评论很难说服我。

电影的前半部分，讲述妖猫的复仇，后半部分讲述杨贵妃之死的真相。妖猫的复仇中加入很多玄幻的因素，让一则大唐悬案变得更加扑朔迷离。

离奇暴毙的皇帝、神出鬼没的妖猫、被盯上的金吾卫……案件的推进都钩子和线索，一步一步的将妖猫杀人案引到杨贵妃之死上。而追寻案件真相的重任也落在白乐天身上，他深爱着杨贵妃和唐玄宗的爱情故事，但是在妖猫案中，却得到一个与“真爱”相违背的事实。他不相信诗里的爱情是假的，所以才会去不断探求真相。

他会为《长恨歌》抛弃名利，会因为被李杨的爱情欺骗流泪，也会为一个不可能改变结果的杨贵妃之死不断奔走，这样一个至情至性的角色，怎么会是提线木偶？

而电影里出现的人物，不论是两位主人公，还是后期的杨贵妃、白龙、丹龙，都有自己的追求和坚守。

杨贵妃美丽大气，马嵬坡兵变中，即便伤心也选择从容赴死。

两位白鹤少年，白龙为了杨贵妃成为“妖猫”，掀起种种波澜只为让杨贵妃的死亡真相大白天下，丹龙做了杀死杨贵妃的帮凶，便用遁入空门，尽余生去陪伴白龙和贵妃。

这样一些人物真不知为何达不到网友们的要求。

再说故事格局上，李杨之间的爱情真的是浅薄吗？如果是的话，《长恨歌》何以成为经典？初中背诵这首诗又有什么意义？

但从电影的角度来说，这个故事还真不是单单谈论李杨的爱情。

之前提及不多的日本僧人空海，他到大唐来的目的不是追寻杨贵妃的爱情足迹，人家是来问道的，在电影里叫“无上密”，内心安定幸福的无上秘密。

在来大唐的穿上，经历海难，他看到怀抱婴儿的孕妇“临危不惧”，对死亡的恐惧远远低于空海，而他却在那一刻抛弃了从小学习的佛法，慌得一批，两个人的鲜明对比让他极其困惑，为什么妇人不怕？

到了大唐之后，他去往大青龙寺，但寺庙拒绝了他，没有让他见到主持，在后面我们可以看到，青龙寺的主持就是年老后的“白鹤少年”之一——丹龙。

而丹龙拒绝他的理由也很简单，有些道理单单靠言传是没有意义的，只有切实经历过、见识过，自己思考，才能真正参悟透。所以他随着白乐天探寻杨贵妃之死的真相，看到杨贵妃对唐玄宗的成全，白龙对贵妃的执念和放下，至此，他才真正了解何为“无上密”，才得以进入青龙寺。

而无上密也全程贯穿在电影中。在街上的幻术表演中，人们看到什么就是什么，认为所见即真理，白乐天对“李杨”的爱情也持这种态度，这是大部分人身处的第一阶段。

但是后期证明幻术是假的，李杨的爱情是骗局，他们的爱情并非高尚忠贞，所以唐玄宗放弃了贵妃。通过现象看到更为深入的本质，这是空海所处的第二阶段。

在第三阶段，才是真的参透无上密的阶段。幻术中的西瓜是假的，但假西瓜都是由烂西瓜变幻而来，这就是真相。而李杨的爱情同样如此，唐玄宗爱杨贵妃不是假的，只是不及爱自己，杨贵妃知道马嵬坡兵变中，唐玄宗的骗局，但在无可扭转的困境中，她愿意怀揣着唐玄宗的爱情从容赴死，这就是可以最大限度获得幸福的“无上密”。

《妖猫传》在悬疑探案的外衣下有爱情故事，有对更高层次理念的探讨，6.9的分数确实有些低了。或许等多年之后，等人生阅历更加丰富之后，能对整部电影有更深的理解吧。

我想说说藏区电影《阿拉姜色》。说到藏区电影，大家想到的画面是朝圣的信仰，是苍莽开阔的藏区风景，是一步一叩首的虔诚，又或者是文艺片的专属。

在院线上，一部片子只要打上文艺片的烙印，基本上跟票房无缘了。这部片子也不例外，700万的成本，只收回229万的票房，演员的名字你甚至没有听说过。但是，我却觉得这是一部被严重低估的电影，所以，在这里向大家安利一下。

一、去藏族化

作为一部藏区电影，那么就要拿《阿拉姜色》跟同年上映的藏区电影《冈仁波齐》来相比较。

《冈仁波齐》和《阿拉姜色》讲述了一个差不多的故事——去拉萨朝圣。但是《冈仁波齐》却拿下了1个亿的票房，而《阿拉姜色》却只有229万的票房。其中的不同在哪里呢？我觉得是视角的不同而导致了这两个不同的结果。

《冈仁波齐》是站在一个外人的角度去审视藏族文化（《冈仁波齐》的导演张杨是北京人，北京人拍藏族电影）。那么外人眼中的藏族文化是什么呢？是辽阔苍茫连绵起伏的山脉，是洁白神圣的雪域高原，是哈达，是朝圣路上一步一叩首的虔诚。而《冈仁波齐》恰好都满足了外人对藏区的一切幻想。

跟《冈仁波齐》从外向里看的好奇和审视不同，《阿拉姜色》则是从内向外看。这时候藏区电影也因这一点而发生了相反的变化，相比《冈仁波齐》的讨好和迎合，《阿拉姜色》是由内而外地在讲述一个藏区故事，这时情感则从好奇和审视变成了共情。

《阿拉姜色》讲的故事，本身就是发生在藏族人当中很平常的一些事情。在我看来，导演松太加是在做减法，在把人们对藏族电影的固有标签一个个撕下来。

在你看来，藏区是落后的，但是在《阿拉姜色》中，你可以看到俄玛给儿子吾尔诺买的玩具也是包装得花花绿绿的商业模样；俄玛给罗尔基爸爸买的电动剃须刀和棉拖鞋，到进拉萨的国道上，你会看见很多汽车越野车，而驾驶这些汽车的有藏族人也有四川人……从电影中的点点滴滴里，你会发现，藏区其实没有我们想象中的那么落后和与世隔绝。

既然说到藏区，那就不可避免地提到朝圣。在藏族人看来，完成一次从家乡到拉萨的朝圣之旅是一件非常有福气的事情。在外人看来，藏族人去朝圣并且完成朝圣是一件再正常不过的事情。在电影中，导演也提到了朝圣的这个话题。很遗憾的是，和俄玛一起上路的两个女孩都因为各种理由放弃了朝圣之旅，连一句告别都没有。

我们可能觉得不可思议，但是朝圣之旅或许就意味着恒心和毅力，而大多数人都做不到的事情，电影中的两个女孩坚持不下去，因为共情，所以也不是特别不能原谅——这也让我们看到一个真实的藏区故事。

把藏区电影的标签一点一点地撕扯开来，一个个地打破藏区电影的固有印象，一样一样地给藏区电影做减法，这样，拉萨这座雪域高原才够真实，这样，才是一座真实的人世间。

二、信仰与私心

还是关于信仰的问题。藏族电影讲到信仰毫不稀奇，但是怎么样才能讲好呢？松太加在电影里面加入了一点私心。这样就形成矛盾了。

罗尔基的妻子俄玛身患绝症，那么，是放弃仅有的治疗希望呢？还是让俄玛去拉萨朝圣呢？

在罗尔基知道妻子去拉萨是为完成跟前夫的约定，那么，作为一个深深爱着妻子的丈夫，罗尔基到底是去还是不去呢？

妻子死后，妻子和前夫的儿子不肯回去，执意要跟着去拉萨。一路上，到底带不带这个跟自己毫无血缘关系的儿子呢？

在伟光正的信仰面前，松太加给罗尔基设置了很多关于私心与私情的拷问，而这些私心杂念最后都成为了人性的注脚。哪有什么伟光正，只有不断的舍弃和得到。

在电影的开头，俄玛从噩梦中惊醒，掩面哭泣。在知道自己时日无多之后，俄玛毅然决然踏上和前夫约定去往拉萨的朝圣之旅。从这里，可以看出病弱的俄玛还是有倔强的一面。被隐瞒的罗尔基不太赞成俄玛的做法，但是深爱妻子的他还是选择了亲手为妻子做了一副结实的松木板。

罗尔基本来还想用路途遥远和雨天路滑的理由来阻止俄玛，但是倔强的俄玛听不见任何阻挠。

在几个月后，得知俄玛已经时日无多，罗尔基开着摩托车追上了俄玛，他想让妻子接受治疗，他想送妻子去成都最好的医院，他希望能籍此延缓妻子的生命。但是俄玛执意要走，要完成前夫的遗愿。

俄玛的前夫在医院插满管子地离世，俄玛害怕自己再经历一次恐惧，她害怕再经历一次前夫死前的情形。她觉得死亡已经不可避免地来临了，那么，坦然面对吧。与其做无谓地挣扎，不如趁着自己还有日子的时候，去完成前夫的遗愿，哪怕离拉萨更近一点点，哪怕离这个遗愿更近一点点。

在俄玛临死之前，罗尔基找卫生点的乡村医生，并让他给俄玛打了一瓶缓解的点滴。医生责怪罗尔基：“人都病成这样了，怎么还让她去拉萨呀？”

医生言下之意是责怪罗尔基，为什么没有让俄玛得到及时的治疗。罗尔基没有作答，沉默即是他的答案。

在一间小寺庙里，罗尔基找来了主持给俄玛超度。在超度完成之后，罗尔基没有再纠结俄玛是为了完成与前夫的约定才去的拉萨，而是接过了俄玛的松木板和皮围裙。这时，去拉萨从俄玛和前夫的约定变成了罗尔基要完成的俄玛的遗愿。

三、爱情和亲情

• 爱情
  

在看《阿拉姜色》的时候，罗尔基阻止俄玛去拉萨不成，最后只得支持她陪同她一起上路，在这一幕，很多网友觉得很讽刺。去拉萨是妻子深爱的另一个男人的遗愿，但是罗尔基不但不能阻止，还要支持俄玛。罗尔基那么深爱俄玛，但是俄玛临死前想的却是另外一个男人。罗尔基还要把他俩的约定当成妻子的遗愿来完成，就问你膈应不膈应？

在影片中，不管是爱情还是亲情表现得极度地内敛——有一种“不在沉默中爆发，就在沉默中死亡”的爆发和力量。但往往，这样的静默和压抑反而更有力量，更能一击而中。

在《阿拉姜色》中，让我忍不住流泪的地方是俄玛在临死前，为了不再做无谓的挣扎，俄玛拔掉了针管。血珠顺着俄玛的血管流了出来，这时，罗尔基这个坚强的男人落泪了。镜头没有给到罗尔基是怎样落泪，镜头给到的只有罗尔基的眼泪将俄玛的血珠冲淡。

罗尔基再次落泪是在帐篷里，他抱着俄玛。但其实（我觉得）俄玛已经死去，这时罗尔基的眼泪顺着脸庞划下来。当罗尔基知道妻子的背包里装着那个男人的照片，他又悄悄把手挪了挪。

在妻子死后，罗尔基找主持给妻子超度。喇嘛在知道夫妻俩一同往生之后，说：“这夫妻俩一同往生，多好的命呀。”

这似乎在说，明明是三个人的故事，却唯独罗尔基没有姓名。既然俄玛和前夫是夫妻俩，那罗尔基和俄玛呢？这一幕，我觉得蕴藏着莫大的讽刺。

在超度完成之后，喇嘛说，要在墙上贴上死者生前的照片。罗尔基从妻子的背包里拿出那张俄玛和前夫的合照。作为丈夫，罗尔基把妻子的照片贴在了墙上。而作为情敌，罗尔基在思索片刻后，将两人的合照撕成两半，把那个人的照片贴在了墙的那一边。

• 亲情
  

在一开始，罗尔基和吾尔诺这对父子是有隔阂的。吾尔诺对罗尔基大喊：“你就是讨厌我！外公说的没有错！”

罗尔基愣住了。可能这个善良的男人并没有想过，吾尔诺会这样想自己。

我们再来说说《阿拉姜色》这部片子名字是什么意思。“阿拉姜色”是藏语里“来饮了这杯美酒”的意思，同时也是一曲藏语歌谣。

在吾尔诺刚跟着母亲朝拜的时候，罗尔基开玩笑似地抱着吾尔诺的头，将他提起来。但是吾尔诺却被这突如其来的亲昵吓跑了。在得知吾尔诺不开心的时候，罗尔基嗫嚅地说道：“小时候，我爸爸也是这样玩我的。”

这时，罗尔基这个内向的男人开始笨手笨脚地哄起儿子，他唱起了“阿拉姜色”，用石块当酒杯，唱着我们一起来饮了这杯美酒吧。当“酒杯”从俄玛传到吾尔诺，吾尔诺拒绝接过酒杯。看样子，吾尔诺并没有原谅罗尔基，也没有接纳这个父亲。

一路上，罗尔基教吾尔诺要怎么样成为一个真正的男人。

罗尔基说：“你怎么老是走在别人身后？走前面！真正的男人怎么能老是走在别人后面？”

远远能看到布达拉宫的时候，吾尔诺问罗尔基什么时候去拉萨？罗尔基说，不急，要等一个吉祥的日子。

在这里，罗尔基买来剪刀，把吾尔诺长（zhang）长的头发剪掉。罗尔基说：“剪掉的头发，不能乱撒。应该放在别人不容易踩到的地方。”

这时，罗尔基又唱起了“阿拉姜色”。吾尔诺断断续续跟着哼了起来。

罗尔基教导吾尔诺这些“怎么样才能成为真正的男人”要知道的道理，看上去好像没有重点，甚至还有点不知所谓。但好像，我们的父辈也是这样教导我们的。

在远远能望见布达拉宫的时候，吾尔诺开心雀跃，他也做了个跟罗尔基很类似的动作——他拽住了小毛驴的耳朵，将小毛驴提了起来。

无论是罗尔基哄儿子唱的“阿拉姜色”，还是玩儿子时将吾尔诺恶作剧般地提起来，这些都是罗尔基种下的因。现在，这些果，也结成了。

在剪头发时，罗尔基从吾尔诺的背包里翻出了俄玛和前夫的那张合照又贴在了一起。吾尔诺抽泣着说：“我舍不得把爸爸妈妈放在那个地方。”

这次，罗尔基原谅了儿子。毕竟，活着的人才能够大口喝酒大口吃肉，也只有活着的人才能够种下因果。